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domingo, 30 de junio de 2013

HARDREAMS - UNBROKEN PROMISES


¡Que maltratado ha sido siempre el a.o.r. en este pais! Si, aunque ahora le salgan defensores a ultranza de debajo de los teclados del ordenador, siempre ha sido blanco de ira, mofas y cachondeo generalizado de buena parte del rock, y ahí que decir, algunas veces que con razón, pero otras con exceso de sorna y mala intención. Pero a pesar de todo, la cantera de bandas de este pais moviendo por las orillas más melódicas del rock, es excelente. Así a brote pronto, me vienen a la cabeza gente como Guru, Tony Solo, Airless, Eden Lost, The Val o el veterano Rafa Martín, por nombrar solo a algunos que se empeñan en seguir construyendo grandes melodias envueltas de magia.

Quizás uno de los casos mas sangrante es el de Hardreams, ya con cuatro discos en el mercado, con compañia yankee como Perris detrás, que en su escuderia maneja a bandas del tipo de Warrant, Helix, Enuff z nuff, Jetboy o Paul Shortino entre otros, y aunque por supuesto consigue las alabanzas de medios, blogs y panfletos como este, sigue sin alcanzar ese status de banda consolidada entre el panorama rockero, y es que he conocido yo mucho fan del a.o.r. que huye como del diablo de lo que se lanza en este pais, mientras canta a lo Journey las alabanzas de aquella banda que un dia sustituyo en un bolo a los teloneros de Nightranger cuando presentaban su primera maqueta en una aldea cercana a Alabama.


Bueno, tampoco me quiero cebar en exceso en un mundo a veces demasiado etilista y amante de los clubs de campo privado, en algunos casos, que tampoco es plan de generalizar, porque seria un error garrafal, para centrarme en el nuevo trabajo de Hardreams, que mamma mia, que forma de sonar tienen estos tipos, si ya lo habian dejado claro en anteriores lanzamientos, aqui vuelven a poner sobre la mesa que tienen y deben de formar parte de las quinielas de todos los amantes del rock melódico y de aquellos capaces de disfrutar con la buena música, sea de donde sea que venga. En este disco no hay un hit claro como en los anteriores, pero si que el nivel roza un techo tan alto en su conjunto que realmente no hace falta.

La conjunción está clara, melodia a raudales y unos músicos conscientes de lo que son capaces de sacar de sus instrumentos. Desde la inicial "Count on me" con esos teclados maravillosos, toda una declaración de principios, a esas guitarras hard rockeras de "A high mountain to climb", callando bocas de aquellos que piensen que Hardreams no saben rockear con pelotas, sin perder su sello. ¿Que diferencia a esta banda de otras? escucha "It's only love", y si no caes rendido ante el, no vuelvas a repetir que echas de menos los ochenta, sus estribillos y sus temas pegadizos, intensos y con feeling. Mas guitarreo con "The war is over", ritmos pesados, oscuro y denso, pero repleto de elegancia, a mi que no soy santo y seña del a.o.r., me ha encandilado este tema que se sale un poco de lo habitual.


Pero no os asusteis, "Woman in black" profundiza en ese mar de melodias, coros y estribillos para disfrute del personal, y de que manera, amigos mios. Ya iba llegando el tiempo de la balada, y por supuesto esta es "Now you're mine", con un gran trabajo vocal (realmente impresionante durante todo el disco), y esos teclados que le dan la grandeza necesaria para toda balada que quiera permanecer en la memoria colectiva y no perderse en el cajón de los medios tiempos. "The last inside" es un tema donde hay que prestar atención principalmente a lo que estos tios son capaces de desarrollar, con esos tintes cuasi progresivos que se marcan. "Goin fast" tiene un rollo "Radar Love" que tira de espaldas, nadando hacia corrientes del rock más clásico. El tema título es otro de los puntos fuertes de este disco, y mira que es complicado destacar un tema sobre otro, pero esas guitarras iniciales y esa entrada vocal, ya valen un imperio por si mismas y no digamos el estribillo, un lujo.

Guitarras mas heavys para "Cross the line", incluso esos coros se meten de llenos en terrenos mas poderosos, para moverse por terrenos cercanos al metal progresivo, añadiendo aspereza a su sonido. Cierran con "All and now", en plan intimista, de esos temas para agarrar a la parienta y dar gracias por tenerla cada dia a tu lado, o recordar viejos tiempos con los colegas, cuando lo importante no iba mas alla de esos momentos de comunión y amistad. Que gran disco se han marcado Hardreams, y pase lo que pase, nadie les podrá decir que no pusieron el alma, el corazón y el conocimiento en saber lo que mejor hacen, hacernos disfrutar.


GOODBYE JUNE -NOR THE WILD MUSIC FLOW


Sin lugar a dudas, Goodbye June, son otra muestra de que el rock sigue vivo y con ganas de pelear, además de ser un claro ejemplo de que la música también puede ser el camino de la salvación personal. Desde el principio de los tiempos, el hombre ha buscado quien le cure sus heridas. Dolores fruto de la enfermedad que eran tratados por los primeros curanderos tribales hasta llegar a la actual medicina, cada día más avanzada y en proceso y continuo desarrollo, por más que algunos se empeñen en obstaculizar su acceso para todos y sus continuos encontronazos con la religión durante la historia. Vale, ya sabemos quién puede revitalizar tu cuerpo, pero ¿quién puede curar tu alma?.

La vida es tan puta que te envuelve en una continua noria, llena de subidas y bajadas, de las que a veces es complicado sacar la cabeza, por mucho que la química al servicio del hombre trate de hacer su papel de medicine man. Hay quien se aferra a la religión para salir adelante, otros buscan su salvavidas en aquello que les resulta más cercano o reconfortante, permitiéndole mantenerse a flote, hasta que llegue el barco de rescate de la lucidez.


Ese es el caso del guitarrista Tyler Baker, que en junio de 2005, veía como un accidente de tráfico se llevaba a su hermano. Su balsa tomó la forma de sus primos Brandon Qualkenbush y Landon Milbourn y la de una guitarra eléctrica, donde a través de canciones, fue encendiendo las luces de aquel túnel donde se vio una vez metido, llevándoles a dejar su Indiana natal detrás y trasladarse a Nashville, y dar vida a Goodbye June, como recuerdo de aquel junio que no podrán olvidar pero si al menos aparcar por momentos en el garaje de la soledad.

Este debut, “Nor the wild flow”, se mueve entre los railes del rock mas clásico, las sonoridades de los 90 y el rock más convencional. Efluvios de Led Zeppelin, sobre todo en la forma de cantar de Landon Milbourn se dan cita en la inicial “Man I am”, que por momentos se emparenta con “When the leeve breaks” de los de Plant y Page. Ese camino del rock clásico e intenso sobre todo gracias a esos riffs, sigue brillando con “Love clinic”, donde los coros le añaden una historia más actual.

“Moonshine” tiene un inicio muy Sabbath con el riff y el bajo, aunque vocalmente se mueva por otros parámetros apartados del sonido mas pantanoso que ofrecen las guitarras. Nashville se nota en la grabación, hace acto de presencia en “Out of your mind”, con un transfondo bluesy y esos coros, muy al estilo de lo que hacen también gente como The Delta Saints. Coño como me gusta esta canción, con toda esa carga de feeling que lleva encima. “Breathe easy” baja un poco el nivel con respecto a lo anterior, más cercano al modern rock, con una estructura más simple.
 
 
“Microscope” vuelve a resucitar esos viejos riffs y esas querencias a Led Zep pero sin perder de vista a gente como The Black Keys por ejemplo. “Shreds of lightnings” de nuevo mira hacia el presente, con esos juegos vocales a los Jack White, y esos ataques rítmicos que tiene la canción, que le dan mucho juego. Llega el momento de la balada “Indiana boys”, y vuelve a saltar a la palestra Led Zep (¿The rain song?), y es que la voz de Landon se mueve en un registro que podría ser el resultado de fusionar a Plant con Chris Cornell, pues al igual que el espíritu de Led Zeppelin planea más de una vez por la grabación, Soundgarden no deja de ser otro de los invitados estrellas para olvidar junio.

Que bien suena “Strut your stuff”, desinhibida, sencilla y sentida a la vez, quizás no preparada para pervivir en el museo de los grandes temas del rock, pero de esas canciones que gustas escuchar en cualquier lugar. Ese mismo camino toma “Lady Luck”, con una personalidad más intensa y unas preciosas guitarras. Cierra el disco “Trent revival”, donde se hace más presente esa influencia de Cornell que comentaba antes, dejando salir toda la tristeza contenida.

Sin lugar a dudas, Goodbye June, son otra muestra de que el rock sigue vivo y con ganas de pelear, además de ser un claro ejemplo de que la música también puede ser el camino de la salvación personal. Estoy seguro de que los chicos de Indiana tienen aún mucho más que ofrecer en próximas entregas, si son capaces de seguir el camino que ellos mismos se han marcado.

ANTOINE LEBARON - BLUES STATION


Reconozco tener cierta debilidad con los power trios. Me parecen la máxima expresión del rock con garra y buenas guitarras, y ejemplos no faltan, Rory Gallagher, ZZ Top, Cream, Hendrix..... guitarra, voz y bajo, solo tres pero montando mas bulla que la orquesta de tu pueblo en pleno extasís paquito chocolatero, pero eso si, con infinitamente mejor gusto, donde vamos a parar. Por eso, cuando Angel de ZeppelinRockSabbath me habló de Antonie Lebaron, su power trio de blues rock, su ep "Blues Station" y me puso en contacto con Antonio Soler (a.k.a. Antonie Lebaron), me despertó todas las alarmas sobre lo que me podia encontrar en estas cuatro canciones de este músico de dilatada carrera y buen gusto con las seis cuerdas.

Natural de San Clemente, este manchego tiene ya los nudillos raspados de tocar por aquí y por allá con su guitarra, hasta que junto al bajista Cristian Ruiz y al bateria Andrés Senén dan forma a este power trio, que proclama a los cuatro vientos que sus influencias se cruzan con los caminos de gente como Rory Gallagher o Status Quo, es decir, rock y blues de la mano, ( y yo añadiria a gente como J. Teixi por ejemplo) con las guitarras como principal protagonista y guia espiritual absoluto de todo aquello que transcurre en este "Blues station", donde Antonio, además de seguir los pasos clásicos del blues rock en su sonido, es capaz de añadirle esas gotas de accesibilidad necesarias, para extender su música mas allá de los seguidores de la música del delta.


 Ese ritmo solapado tan característico del blues junto a esos solos, dan el pistoletazo de salida a "Alguna vez", que abre este ep, machacón, contundente, dejando caer las estrofas como lozas a la vez que que la melodia cuenta historias de dolor enjuagadas en esos magnificos solos que Antonio es capaz de sacar de su guitarra. Me encantan las guitarras de "Juegas con fuego", que a mi me recuerdan cantidad a Leño, con ese rock and roll heredero del blues mas chulesco. La voz de Antonio no se mueve en los parametros mas puros del blues, heredera mas del rock, lo que le da ese toque característico que le introduce de lleno y sin problemas en ambos mundos el del blues rock y el del rock mas añejo.

Mucho hablar de Antonio, pero no se puede olvidar el gran trabajo que hace la sección rítimica formada por Cristián y Andrés, sin fisura alguna, van creando un bloque solido que sirve como respaldo perfecto a la guitarra de Antonio. La instrumental "Charluco's blues" demuestra la clase de estos tipos, dejando espacio para el lucimento de los solos (donde mejor se aprecia esa influencia de Rory Gallagher de la que habla este fantástico guitarrista), mientras la sección rítmica no deja de marcar el camino. Cierran con quizás el tema mas flojo de este ep al menos a gusto personal, el medio tiempo "Un dia de estos", no porque sea un mal tema ni mucho menos, ya que refleja bastante bien la desesperanza que debe ir unida a un buen blues y además vocalmente abona terrenos hacia gente no inmersa en el mundo del blues.


Tal vez lo que ocurre, es que después del subidón que me pega "Charluco's blues", yo hubiese metido un tema con garra para cerrar este fantástico "Blues Station". Gran trabajo de este manchego, Antoine Lebaron, uno de esos discos, que va ganando con cada escucha, calandote mas y haciendote descubrir lo que hay dentro del sonido que estos tipos sacan de sus instrumentos. Espero tener pronto noticias de un larga duración del power trio donde nos puedan deleitar con mas blues rock.  Si quereis escuchar este ep, pasado por su página donde le podreis dar una escucha y decidir si os parais en su estación del blues. Yo ya lo he hecho.

sábado, 29 de junio de 2013

DARK MOOR - ARS MUSICA


Ya he comentado mas de una vez que mi relación con el heavy metal es complicada. Lo mio sigue siendo la old school, y mi concepto de heavy metal, está por definición, mas cerca de lo que pueden hacer por ejemplo Spiritual Beggars (si, ya que definir a los de Amott como heavy a mas de uno no os cuadre, pero me refiero a ese sonido pesado primigenio enfrentado a las orquestaciones actuales de muchas bandas) que las bandas de power metal generalmente. Entiendo toda la dificultad y riqueza de matices del metal sinfónico, operístico y demas historias, pero yo que soy mas cazurro, lo mio es otra historia, que le vamos a hacer, si muero con la NWOBHM y con aquel speed/thrash de mitad de los 80. Mi relación con el power, posiblemente acabó con ese discazo que es "Imaginations from the other side" de Blind Guardian. Aun así a veces me gusta acercarme al que se convirtió casi por definición en heavy metal europeo de vez en cuando.

Para poner un ejemplo, que me pongo a escribir y al final me lio. Yo soy de tomar Scotch con cola, además desde siempre, pero de vez en cuando, me tomó un par de gin tonics y digo, joder está bueno esto. Pero al dia siguiente, estoy de nuevo con el whiskey. Pues algo así me pasa con este tipo de heavy metal. No voy a decir que Dark Moor sean para mi unos desconocidos. Tengo sus primeros discos, cuando hubo aquel subidón de nuevo de bandas volviendo al redil del metal, en una explosión que afectaba también a nuestro pais, y lo cierto, es que estos tipos, en aquellos dias con vocalista femenina al frente, eran de los que tenian ese aire mas "internacional", pero reconozco, que poco a poco les fui perdiendo la pista.


Una de mis frases favoritas, es esa de "Al Cesar lo que es del Cesar", y tengo que decir, que posiblemente, de no ser porque Enrik Garcia, guitarrista de la banda, colabora en el proyecto Vodevil Vargas con Ricardo Moreno, que no hace mas que hablar exquisiteces de él, igual hubiese dejado pasar este "Ars Música" de largo. Craso error hubiese sido, porque vaya tela el pedazo de disco que se ha marcado la banda, con unas orquestaciones alucinantes, un sonido buenisimo y unas canciones solo al alcance de unos pocos. Desde el inicio con "Ars Musica" una intro sinfónica y epica, que da paso a "First lance of Spain", muy power con ese ritmo de bateria tan típico del género y esa propuesta veloz y epica.


Algo muy destacable de este disco es que han conseguido que pese a la grandilocuencia de su sonido, algo que no se puede negar, no abusan de agudos como suele ser demasiado usual en este tipo de bandas, y ahí destaca mas que nuncan la labor del vocalista, que logra dotar las canciones de un feeling imponente, como es el caso de "Together as ever". Sin lugar a dudas, las composiciones estan minuciosamente preparadas sin dejar nada al azar, y eso se nota, porque el trabajo de los músicos es bestial. Por momentos me viene a la cabeza Avalanch, con quienes comparten esa querencia por la calidad y la técnica.


Sin lugar a dudas, el mas claro ejemplo de lo que representa Dark Moor hoy en dia, puede ser el tema "Asturias", donde la música clásica toma  preponderancia sin perder de vista el sonido heavy de la banda, añadiendo elementos progresivos que enriquecen aun mas el resultado, todo unido para imponer la épica que rodean las canciones. Pero es que incluso son capaces de acercarse a terrenos mas hard rockeros como en "Saint James Way" o cerrar a modo de bonus con una impresionante versión acústica de "The road again".

Esta claro que este "Ars musica" no es un trabajo facil ni sencillo, que aun manteniendose dentro de los canónes del género, no cae en manidos clichés que hacen que una vez escuchada una banda, parezca que has escuchado todo lo que viene detrás. Este disco me vuelve a poner en la pista de la banda, y ya se, que cuando me apetezca un "gin tonic", este "Ars Musica" de Dark Moor será la botella elegida para extraer el precioso líquido. Se me olvidaba, vaya orquestaciones, mas que buenos, si señor.

10 CANCIONES SOBRE DROGAS Y ROCK



Sexo, drogas y rock and roll es posiblemente el slogan más conocido del mundo, y para muchos, un modo de vida. La relación drogas/rock siempre ha estado ahí, y además, ha dejado demasiadas bajas por el camino. No voy a entrar en el debate sobre las drogas, yo tengo mi opinión, como cada uno tendra la suya, y siempre he pensado que el mundo de las drogas, está demasiado rodeado de desinformación, mitificación y demasiados intereses ocultos.

Las drogas como decia antes, siempre han estado ligadas al rock, y ese se refleja en sus letras. Aqui os traigo mis 10 favoritas. Por cierto, he dejado el alcohol fuera, eso da para otra lista.


10. METALLICA - Master of puppets
09. JJ. CALE -Cocaine
08. PAT TRAVERS - Snortin whiskey drinkin cocaine
07. RAMONES - I wanna sniff some glue
06. RODRIGUEZ - Sugar man
05. JOHNNY THUNDERS & THE HEARTBREAKERS - Chinese rocks
04. GUNS N ROSES - Mr. Brownstone
03. BLACK SABBATH - Sweet leaf
02. NEIL YOUNG - The needle and the damage done
01. ALARMA - Frio

miércoles, 26 de junio de 2013

GRANFAN I YA A LA VENTA


Hace poco os hablaba del disco debut de los jerezanos Granfan (pinchad aqui) un power trio de rock duro, guitarrero y potente que bebe de las mejores influencias. Por fin se puede comprar ya el disco, tanto fisicamente como en formato digital. Para los que seais del sur del sur, os podeis acercar a Jerez de la Frontera y pillarlo en las siguientes direcciones:

La Palapa cafe & copas, avnd. Lola Flores 16
Havana café & copas, c/ Cádiz 28 (Divina Pastora)
Discos Mala Música, c/ Medina 10

También podeis pedirselo directamente a la banda, mandando un mail a  infogranfan@gmail.com o a través de su página de facebook a toda la peninsula por 10€ sin gastos adicionales. E incluso si veis que no os contestan o lo que sea, me lo decís y yo pillo a Maikel Morgan por las orejas para que os lleve el cd a casa.


Además podeis escuchar el disco (y comprarlo también) en Spotify y en Itunes, para haceros una idea del buen rollo de este power trio. Josón: guitarra voz principal, Crespo: bajo coros, Maikel Morgan: batería coros se autodefinen como adrenaline rock, y quien soy yo para llevarles la contraria, mas aun, cuando se presentan con un pelotazo como este, 11 temas de puro y duro rock and roll, que mira sin complejos a cualquier epoca o era de la que hayan sacado partido a lo que sonara en esos dias. Lo suyo son las guitarras poderosas. Un disco mas que recomendable y además "apetitoso"


martes, 25 de junio de 2013

HOGJAW - IF IT AIN'T BROKE -


¿Creéis en las casualidades? Yo sí, a veces el azar cruza situaciones que están destinadas a entenderse. Eso si, cuando alguien me habla de destino, ahí es cuando doy un paso hacia atrás. No creo en el destino, en ese aspecto soy un poco a lo Anton Lavey, creo en la libertad individual de las personas para ir forjando su sino según sus circunstancias y sus acciones. Si dentro de esta encorsetada sociedad donde vivimos, en la que intentas marcar tu camino en medida de lo posible, sorteando obstáculos socialmente establecidos, si encima hay un destino escrito y predestinado, apaga y vámonos. Al menos que nos quede la incertidumbre de un futuro que no me preocupa demasiado hasta el segundo en que se convierte presente.

Pero las casualidades si, que queréis que os diga. Andaba leyendo estos días una biografía del gran Sam Peckinpah. No se vosotros, pero yo me he criado bocata en mano sentado en el sofá por las tardes, viendo la peli del oeste, cuando no había más canales donde elegir. Soñaba y jugaba, no a ser un indio, sino a ser un cowboy, a ser el General Custer, Pat Garret o Billy el Niño. Los que teneis ya unos años encima, ¿recordáis aquellos vaqueros de plástico? Yo tenía mogollón y pasaba horas jugando con ellos, cuando cosas como la PS3 ni pasaba por la mente de su inventor. Curiosamente, tuve un tiempo en el que renegué de los westerns, pero volver a revisitar las viejas pelis de Sergio Leone, Solima o el mismo Peckinpah, me volvió a reconciliar con un género del que jamás me debí alejar.


Como decía, la casualidad hizo que el otro día, mientras leía sobre el genial director, cayese en mis manos “If it ain’t broke”, el nuevo disco de Hogjaw. Estos tios son la bomba, os lo digo desde ya. Sin lugar a dudas, se han convertido en mi banda favorita de southern rock de esa nueva andanada de bandas que está fortaleciendo aún más el género. Además he tenido la oportunidad de verlos en directo y os aseguro que es algo difícil de olvidar. Su ataque sónico es comparable a las mejores escenas de Sam Peckinpah, algo que se te queda grabado a fuego y sudor en la mente. Amantes del rock sureño y del heavy metal, como me confirmaron cuando los entrevisté, se han sacado de la manga, uno de los discos que ya tienen asegurado su puesto en mi top ten de este 2013 y eso que quedan aún seis meses de discos por salir.

“One more Little one” es puro rock and roll con ese riff clásico que sale de las guitarras de Jonboat Jones y Kreg Self. Elvis D al bajo y Kwall a la batería, siguen siendo esa potente sección rítmica de cuatreros, ante que la que se echaría a temblar cualquier diligencia. Jonboat recoge la esencia del southern en su forma de cantar. Es complicado señalar un tema sobre otro en este disco. “Built my prize” tiene ese ritmo pausado junto a esos riffs fuertes que son característica propia de la banda. La banda en directo desprende una brutalidad sonora increíble, y aunque en disco evidentemente, su sonido se refina un poco, sigue estando presente esa potencia de la que hacen gala. “Am I wrong?” sigue la estela del anterior, con un puente hacia el estribillo buenísimo y de nuevo esas guitarras golpeándote en la cara.


Preciosa melodía la que sacan en “Shiny brass” como unos primos lejanos y sureños de Thin Lizzy, con un Joanboat cantando y contando historias que podrían servir de banda sonora para cualquier día de los que nos toca vivir. Hablaba de que a la banda le gustaba el heavy metal, gente como Metallica o Maiden se encuentran entre sus preferencias, como bien me dijeron Joanboat y Elvis D. Yo añadiría a los Molly Hatchet mas hard rockeros, sobre todo escuchando “Cold dead fingers”, una canción que haría palidecer de vergüenza a muchos de los que se han apuntado al carro del llamado Southern metal. Si no, escuchad el estribillo. Luego llega otra de las joyas de este disco, dividida en dos temas independientes, “The Wolf par I” y “The Wolf part II”. Escuchad ese riff de la primera junto a la calma antes de la tormenta en la que se torna la melodía vocal de Joanboat para llegar a un estribillo convertido en un lamento desesperado. La segunda parte del lobo, totalmente instrumental, que te introduce en un intenso viaje.

Más riffs tronando en “Devil’s eyes”, golpeando duro como seña de identidad de la banda y esos acelerones que tan bien se les dan. “’83” es puro rock and roll y sonidos americanos, como si Tom Petty o Mellencamp fuesen mordidos en Alabama por el espíritu de los Lynyrd Skynyrd. Dale voz y apura ese bourbon, que va siendo hora de llenar de nuevo el vaso. Y ahora que estoy poseído por Hogjaw, fiesta rockera al máximo para terminar el disco con “Beer Guzzlin’ Merican”, cachondo y con un estribillo para corear cerveza en mano. Hay muchas bandas reforzando el southern rock, tanto en los States como en cualquier rincón del planeta, pero muy pocos tienen la posibilidad de convertirse en abanderados, y que me caigo un rayo, que Hogjaw están más que preparados para romperos el cuello, haceros sudar y acabar con las reservas de alcohol. Listen “If it ain’t broke” or die.


domingo, 23 de junio de 2013

LA PARADE - DIEZ MIL ROSTROS


Hace ya algún tiempo, alguien me decia que el problema de las bandas de este pais, es que sonaban demasiado a rock español. ¿Que significa eso? ¿Por que no pensaba lo mismo de cientos de bandas alemanas o suecas sonando cada una igual que la otra? Porque que  gente como Barón Rojo, Leño, 091 o Burning, fuesen capaces de pillar ese bendito rock and roll que venia de fuera y aportarles su personalidad, no quiere decir que inventaran  una nueva variante, simplemente fueron capaces de aportar al viejo sonido su forma de entenderlo. De todos modos, me pregunto donde andaran tipos como ese, y si alguna vez serán capaces de arrancar los tapones de sus oidos que les llevan a ideas preconcebidas sobre la música. Y escuchando el mx de los granadinos La Parade, me descojono recordando las afirmaciones del lumbreras en cuestión.

La Parade son de Granada, y definen lo suyo como rock alternativo y post hardcore. Nunca he entendido demasiado bien eso de los post delante del género en cuestión. ¿Post rock? ¿Post metal? ¿Post hardcore?, en fin, tampoco es que me importe demasiado, lo que realmente me atañe es que cuando pulse el play, eso que suenen por los altavoces de mi equipo, sea capaz de transmitirme las sensaciones que los músicos han puesto en el empeño, y aunque la coincidencia no sea la misma, si que pueda involucrarme y perderme en el mar de ritmos que me proponen. Y La Parade lo consiguen. 


Como concepto principal de lo que suena en "Diez mil rostros", vuela el espíritu de esos locos maravillosos llamados Standstill, sobre todo en su forma de entender el rock. Tres temas, que comienzan con el que da título al maxi, unas guitarras muy rockeras, sobre todo gracias a ese riff que se conjuga con ese toque de rock alternativo sobre todo al entrar la voz, y les queda realmente esas guitarras tan hard en el tema mas accesible de los tres. "Descarne" comienza con esa calma que antecede a la tormenta para rapidamente ir confrontandose con sonidos guturales que enlazan calma/tormenta en cuanto a la voz.

Cierran con la riqueza que representa "Ascuas" que durante los dos primeros minutos, es un tema lento, con acústicas, voces tranquilas, melódicas y susurrantes, que dan paso al caos de distorsión y agresividad, para volver a finalizar en manos de los apergios iniciales. Sin lugar a dudas, La Parade vuelven a aportar un grando de esperanza al panorama musical, demostrando que hay donde elegir y con calidad. Aneurisma Records está apostando por sus bandas, así que igual, os los encontrais pronto tocando en vuestra ciudad.

viernes, 21 de junio de 2013

JOSE GALLARDO, BAJISTA DE SAUROM, ARTISTA YAMAHA


Cuando a los amigos les pasa cosas buenas, uno se alegra de corazón, la verdad. Y cuando hoy, Jose Gallardo, bajista de Saurom y buen amigo desde ni recuerdo cuanto tiempo ya, me contaba que es artista Yamaha, al lado de gente como Michael Anthony, Nathan East, Rick Emmett, Mathias Jabs o Billy Sheenan entre otros, ha sido una alegria inmensa. Porque el tio se lo merece. Jose es un gran bajista, pero sobre todo es una gran persona. Un autentico "jartible" del bajo, fue el culpable de que me introdujese en el jazz, y de que tenga casi todos los discos de Jaco Pastorius. Pero además fue quien metió en mi vida "A love supreme" de John Coltrane, un disco que suena ahora mismo en su honor mientras escribo estas palabras. Basta ya de rollos y os dejo la info publicada por Yamaha

Músico autodidacta, José Gallardo se ha formado en diversos estilos musicales (punk, rock pasando por flamenco, jazz, fusión). Destacan entre sus influencias bajistas como Flea, John Patittucci y Jaco Pastorius. Milita desde hace más de una década en el grupo SAUROM, con el que se encuentra inmerso en la gira de su último disco(“Vida”), tanto por España como por América.

Biografía

Natural de El Puerto de Santa María (Cádiz), el bajista José Gallardo mostró inquietudes musicales. Desde los 17 años, y gracias a su perseverancia e ilusión, luchó por convertirse en un músico versátil y sólido, influenciado en su técnica por artistas como Flea, John Patittucci o Jaco Pastorius, entre otros. Tras ganar experiencia a su paso por diferentes bandas de de punk-rock y folk fusión, pasa a formar parte de una de las bandas nacionales con mayor renombre en su género, Saurom.

Tras más de 10 años de militancia en la banda, ha grabado 7 discos y un EP en inglés. A lo largo de dicha trayectoria ha realizado 8 giras, incluyendo la que hicieron conmemorando su XV aniversario por España y América, destacando citas como el Leyendas del Rock (España), FestivalSiembra y Lucha (Costa Rica). En la actualidad participan en la grabación del programa de TVE “Los Conciertos de Radio3” presentando su trabajo más reciente,“Vida”, que planean presentar también en Europa. Actualmente José lleva consigo bajos Yamaha TRB y BB, además de apostar por la nueva serie de bajos activos TRBX.

ENTREVISTA A SANTI GONZALEZ -SAD EYES-


Sin lugar a dudas, cuando se vuelca en el intento el alma, el talento y todas las sensaciones capaz de sacar, debe reflejarse en un gran trabajo. Y así ha sido en el nuevo disco de Sad Eyes, uno de los mejores lanzamientos del año en cuanto a metal extremo. Entrevistamos a su alma y espíritu, Santi Gonzalez, y este es el fruto de esas preguntas.

Primero permíteme felicitarte por el grandísimo trabajo que has editado. ¿Sad Eyes es un proyecto personal tuyo, no?

Muchísimas gracias por tus palabras, siempre son de agradecer y sirven para seguir adelante con esto de la música.

Efectivamente SAD EYES es un one man project en el que yo mismo soy el compositor de todas las líneas, el ejecutor e interprete y por lo tanto único responsable.

Es una manera diferente de entender la música, la creación y ejecución. Cuando empecé a trabajar en el estábamos de lleno con REX DEVS mi otra banda con la que ahora estamos en stand by. Esto me servia para completar mis inquietudes no solo musicales, sino estilísticas y de forma de trabajar puesto que el ensayar y trabajar en estudio como lo hago con SAD EYES me llenaba todo lo que con REX DEVS no podía tener y al revés, REX DEVS me daba todas las carencias que tenia SAD EYES.

Ahora mismo las cosas son un poco diferentes y el paron que tenemos con REX DEVS hace que SAD EYES sea lo principal para mi ahora mismo con lo cual el trabajo fluye con mas naturalidad, mas tiempo y todo encaja con mas formas de hincapié.

Una vez que entras a conciencia en el disco, descubres que es un torbellino de emociones y vivencias lo que se describe envuelto en ese muro sónico. Hay mucha implicación personal en “9H0B1A”, ¿no?

La implicación personal es al 200 % en este trabajo, pero en este e intento que en todo lo que hago. Lo que si pasa es que cuando uno se mete tan de lleno en un trabajo de estas características al final algo del esta reflejado en la música, aunque esa no sea la idea principal. La idea es plasmar las emociones, vivencias y emociones de un individuo cualquiera protagonista de una vida agónica y con ciertos trastornos de miedo que implican que su relación social, e incluso la relación con el mismo sean traumáticas y muchas veces imposibles. Afortunadamente esto no es mi vida, jeje, pero como te digo para crear un concepto así en todos y cada uno de los momentos es necesario ponerse en la piel del protagonista puesto que no puedo expresar lo que en siente si no lo intento sentir. Así que es como una yo te doy y tu me das, me haces parte de la historia y yo te la creo.

Crear música ya tiene de por si una implicación emocional que va mas allá de lo que el propio instrumento puede expresar, pero en el caso de un disco conceptual la implicación es total.

Con todo el que hablo, le comento que este disco hay que escuchar atentamente la música, pero también las letras para comprenderlo en toda su grandeza. ¿Cómo explicar que este disco no es otro simplemente otro compendio de música extrema y que hay que profundizar en su mensaje?

Por supuesto que si no te adentras en el mensaje de la letra te quedas al 50 %. La música te hace sentir unas cosas que ninguna letra podrá hacerte sentir, pero las letras, la lírica y las voces te hacen llegar a sitios de ti mismo que la música instrumental no puede hacerte llegar, y todo junto es lo que crea la magia de la expresión musical. Los tiempos que corren no invitan mucho a este tipo de meditación en el cual la música hay que sentirla y no solamente dejarla sonar, pero creo que es la única forma de escuchar música.

Es cierto que cuando hablamos de metal extremo su propia forma de sonar ya implica una serie de sentimientos que hacen que te lleguen y llenen de tal forma que muchas no prestamos atención a la letra porque simplemente pensamos que no nos hace falta para sentirnos plenos. En este caso, en 9H0B1A, es posible que una escucha digamos lateral sirva para saber de que va el trabajo a nivel estilístico, pero una escucha detenida, adentrándonos en las emociones y frustraciones nos harán ver, oír y sentir mas cosas y harán que el trabajo sea apreciado o por el contrario detestado si no he conseguido llegar a crear lo que realmente quería expresar.

 
En el disco hay una legión de colaboradores de lo más granado de la escena nacional. ¿Cómo te pusiste en contacto con ellos, cual fue su reacción ante este trabajo?

Hay un poco de todo, como no podía ser de otra forma al tratarse de tanta gente. A algunos de ellos los conozco desde hace años, otros desde hace menos. Con algunos he compartido escenario y giras, con otros inquietudes musicales desde intercambiar tapes hace años a inquietudes a nivel de producción. Otros simplemente era gente a la que yo seguía a lo largo de su trayectoria como músicos de la escena. A algunos de ellos he llegado gracias a recomendaciones… como ves un poco de todo. De todas formas a todos nos une lo mismo, que es la pasión por esta música. Eso hace que todos hayan trabajado en este CD de manera apasionada, altruista y con un apoyo moral grande para poder sacar adelante todo esto. Eso se nota al final. El que la gente trabaje por amor al arte hace que las cosas suenen con el corazón, y no con el bolsillo.

Creo que ninguno de ellos ha quedado tan sorprendido con el resultado del trabajo como yo mismo, jeje. Y es que como yo he visto crecer esto, teniendo una idea en la cabeza que iba mejorando cada vez que un colaborador trabajaba en ella, las emociones se me amontonaban. Ellos siempre han tenido buenísimas palabras hacia mi y hacia la forma de trabajar, pero aquí el que esta agradecido soy yo. Este Cd no seria así si no fuera por ellos, porque precisamente ellos han aportado lo que yo no podía darle y ahora suena con matices impensables para mi.

 
Algo que me gusta mucho, es que en cada tema se nota quien colabora, mete su punto personal pero sin que se pierda la identidad de tu sonido. ¿Cómo les planteaste la grabación?


Pues se planteo la grabación precisamente desde esa premisa. Cada tema tiene un especto conceptual en su música y en su lírica que no se pueden perder porque alguien meta mano en el trabajo, incluso aunque sea solicitado por mi. Por otra parte, estas colaboraciones, como en el caso de los solos, necesitaban de una parte de ellos en su forma de ejecutar. Los solos de guitarra son todos creación de los colaboradores de tal forma que yo les facilite un tema a cada uno, les indique de que iba el concepto y les deje total libertada para hacer su solo. Ellos han hecho suya la canción y han creado el solo sin ninguna presión ni ninguna forma de ejecutar por mi parte. Creo que esto ha hecho que, independientemente del estilo musical que practican cada uno de ellos, hayan hecho que tanto ellos como la música se hayan amoldado al resultado. Resultado que he de reconocer que a mi me ponía la carne de gallina cada vez que lo escuchaba por primera vez en cada uno de ellos.

Las colaboraciones, sin cambiar por completo los temas, le han dado otra dimensión, otro punto de vista y una personalidad que antes no tenían. Esto en su justa medida es perfecto, si se excede destroza el concepto y si se queda corto no sirve para nada.

No crees que discos como el tuyo, deberían servir para reivindicar que el death metal es mucho más que simple brutalidad musical

Si piensas eso de mi trabajo es que realmente valoras lo que he editado, joder, muchísimas gracias por tus palabras!!!!!

Para gustos están los colores. Yo hace años me enfadaba cuando alguien criticaba el Death metal diciendo que era solo ruido, no mi música, sino el estilo en general, pero creo que la perspectiva de los años me ha enseñado a ver que no todo puede gustar a todo el mundo y que no siempre la gente se para a fijarse en las cosas, las critica y ya esta.

No creo que nadie que alguna vez se haya parado a escuchar detenidamente un CD de death metal piense que simplemente brutalidad, y mucho menos si esa persona es músico. Seguramente no le gustara porque es mas que probable que tenga sus gustos mas que definidos, pero de ahí a no valorarlo…

En la escena hay muchos discos que no sobresalen del resto, pero hay unos cuantos cientos que son autenticas joyas y unas cuantas decenas de ellos no debería pasar por alto nadie, sea del estilo musical que sea, porque su calidad es fácil de apreciar por todo el mundo. Y desde esa premisa, la de la calidad, creo que cualquier persona que sepa disfrutar de la calidad disfrutará del esas bandas de death metal de la misma manea que yo puedo diferenciar la calidad, y disfrutarla, en otros muchos estilos.

Desde luego yo en mi trabajo no he intentado expresar simple brutalidad musical. Hay momentos en los que si que la brutalidad es lo que necesitaba expresar, pero no únicamente, mas bien puede que sea que ese aspecto extremo del Death metal es lo que me sirve para conseguir expresar determinadas situaciones que con otros estilos no seria capaz.

 


En un país como este, en el que el rock camina por la vía difícil, ¿como de duro es el camino para sonidos más extremos?

Imagínate!!!! Esto de la música es difícil en este país, independientemente del estilo, pero eso si, los estilos minoritarios siempre es mas difícil que la gente los valore. Por otra parte, como sabes, alguien metido en esto del underground es un puto fanático y apoya a muerte. Es como una forma de vida, una forma de entender la música que va mucho mas allá de la música, el apoyo es parte de esa forma de vida y por eso la mayoría de la gente que ama este estilo al final quiere trabajar de una forma u otra en la escena, ya sea como músico, como técnico, como periodista, como critico… En este aspecto en este estilo ese apoyo hace que no nos sintamos tocando para nadie. Aun así, lógicamente, el salir de ese underground es una cosa que muy pocos consiguen y aun así a nivel económico aun menos consiguen que esto sea su forma de vida.

Hace tiempo que no me planteo nada de esto, porque me amargo la existencia. Se que con esta actitud lo que hago es humillarme ante esa adversidad, pero buen, prefiero no actuar por ego desmedido pensando que deberían apreciar mi música solamente por ser mía. Hago esto porque amo esta música y además el trabajar en ella me sirve para evadirme de muchas otras cosas que tiene la vida. No es solo una distracción, es casi una terapia, así que… prefiero no tomármelo como algo personal todo esto de las dificultades, las hay, pero creo que mi forma de vencerlas es seguir con esto mientras el cuerpo aguante.



Los medios están acogiendo el disco con grandes palabras. ¿y la gente?
 

Efectivamente los medios ha dado una acogida a 9H0B1A que ni en mis mejores sueños me habría imaginado, siempre con buenas palabras y apoyando mi proyecto, dispuestos a hacer reviews del trabajo y entrevistas como esta. He de decir que me siento muy bien tratado por todos vosotros.

Con la acogida de la gente suelo tener mas cautela. LA gente esta hablándome muy bien del trabajo pero la cosa se pone difícil en mi caso. SAD EYES no es una banda al uso en la cual el metal head se pueda poner en contacto con el músico al final del concierto y comentar con una cerveza que le ha parecido todo, porque no he dado nunca un concierto como SAD EYES. Entonces yo se la opinión de la gente principalmente porque se ponen en contacto conmigo para comentarme que les ha parecido el CD, ya se por mail o por que ven en algún concierto…

Aun así, entiendo que la gente que me habla del trabajo es porque le ha gustado y seria muy raro que se pusieran en contacto conmigo para criticarme, la gente no suele hacer eso, no entra en esas disputas. Si les ha gustado seguramente les gustara hacérmelo saber, pero en caso contrario, se lo guardaran para ellos. Por eso, cuando recibo buenas palabras de la gente, me halagan, pero no hago una estadística diciendo “joder que de gente habla bien de mi”, porque se que el que hable mal no lo hará delante de mi.

Eso no quita, eh!!! Que el hecho de que te digan lo que les ha parecido el CD, siendo bueno o malo, pero sobre todo lo bueno que es lo que suele pasar, ayuda mucho a seguir adelante con esto. Me gusta saber la opinión de la gente y animo a todos a que me escriban diciéndome que les ha parecido el trabajo.


¿Tienes planes de llevar Sad Eyes a los escenarios?

 

Actualmente no, es una idea que he descartado. Cuando edite el primer trabajo, “…And Another Week” si que estuve trabajando para ello, contacte con músicos, ensayamos y empezamos la maquinaria que hace falta para ello. No es cosa fácil. Un proyecto como este en el que todo esta compuesto, terminado y en el que el músico simplemente será interprete no es fácil de que encuentre gente que quiera entrar para seguir, porque el músico normalmente quiere componer y sentirse parte activa. Es una cosa que entiendo y de hecho comparto, con lo cual se de la dificultad de hacer de esto una banda para escenarios, a no se que tenga que estar cambiando de músicos a menudo. Esto lleva mucho tiempo y sobre todo esfuerzo y precisamente eso fue lo que me tiro para atrás. Me estaba consumiendo demasiada energía y me di cuenta de que SAD EYES corría peligro si seguía por ese camino puesto que estaba empezando a desanimarme.

SAD EYES se creo como un one man project y si consigo llevarlo a los escenarios será algo sobrevenido que agradeceré enormemente, pero no algo por lo que luche dejando otras cosas mas importantes en el proyecto que eso mismo. Así que de momento lo tengo descargado, pero no olvidado, porque tocar en directo este tipo de música es una sensación especial. Mostrar al publico encima de un escenario la música propia es indescriptible, y es por eso por lo que a todos nos gusta tanto dar conciertos.

Ahora, en este segundo trabajo, con tantísimos colaboradores, la cosa se pone aun mas al rojo vivo. No para de imaginarme un show con todos los colaboradores, seria indescriptible. Que bonito es soñar, jeje.

 

 ¿Cómo compaginas Rex Devs con Sad Eyes?

Cuando empecé a trabajar realmente duro en SAD EYES fue cuando REX DEVS estaba en un paron, de hecho fue ese paron el que me dio el empujón a tirar para adelante. Tres músicos dejaron la banda de una sola vez y los cuatro que quedamos tuvimos que replantearnos la situación. Esto llevo un cierto paron al principio para luego volver a la maquinaria pero de una manera mas pausada.

Creo que ahora mismo puedo decir que SAD EYES es mi proyecto principal, porque trabajo mucho mas con el que con REX DEVS. Esto no quita para que cuando la maquinaria este al 100 % yo este ahí al 120 %. El hecho de que SAD EYES sea un proyecto en el que no tengo a nadie que me tire por detrás, sino que soy yo el que llevo el peso, me da la libertad de parar cuando lo necesite para trabajar en otros proyectos si hace falta.

Hasta el momento lo he compaginado perfectamente porque además cada uno me da una cosa que no me da el otro, tanto estilísticamente, como en forma de trabajar, relaciones humanas, relación con la escena, con los escenarios, forma de interpretar. En definitiva, se complementan para mi de tal manera que no necesito compaginarlos, son parte de mi vida musical y llevan tanto tiempo ahí conmigo que no se si sin ampos proyectos sabría que hacer con mi tiempo, jeje.


¿Algún mensaje para la gente que nos lee?

Lo primero muchísimas gracias por tus palabras, por esta entrevista y por apoyarme tanto como me estas apoyando en esta andadura, es un placer, un honor y sobre todo un gran apoyo encontrarme con gente como tu en esto de la música.

Gracias también a todos los que hayáis leído la entrevista hasta aquí, eso significa que en algo os interesa el proyecto, así que os invito a que entréis en la Web www.sadeyesband.com, escuchéis la música, hagáis vuestro lo que he intentando expresar en ella y comparéis con lo que vosotros sentís. 9H0B1A esta hecho para que cada uno de vosotros comparéis las emociones del protagonista con las vuestras propias. Si he acertado o no solo lo podré saber si la música cumple su principal función, que es el ser escuchada para ser sentida.


Un abrazo Santi y gracias por tu tiempo y tu música.

Carlos T.

 Publicada por el menda en Rock in Spain

miércoles, 19 de junio de 2013

LAS PIPAS DE LA PAZ - JUGO CEREBRAL E.P.


Si me preguntais por Mexico, así a bote pronto, diria que su comido (love it, man), el Subcomandante Marcos, el Santo y desde la primera vez que escuché "El mero basilón", Las Pipas de la Paz. Adoro a estos tipos, en serio, son una salvaje banda sonora para una de mis pelis favoritas, los imagino destrozando con sus ritmos el apartamento del Guateque de Blake Edwards junto a un histriónico Peter Sellers. Vuelven a la carga con este "Jugo cerebral", que inevitablemente debes de usar como un buen chute a tu cerebro para que no pare de moverse ni un solo momento durante los once minutos que duran estas cuatro canciones, un minutaje corto pero intenso.

Desde que suena la salvaje "Pamela" con ese omnipresente teclado en combate con el espíritu mas punk que desprenden el resto de instrumentos, sin compasión y sin retroceso, un paso hacia delante de puro rock and roll del que bebe en varias décadas atrás. Solo un cambio en la formación, ahora al bajo en vez de Ramona, es Afro Pipa quien acompaña a Pilo, Paco y Rulo, que se desbocan con "Basilón", a base de golpes de teclado y un bajo que muestra el camino. La sensación de velocidad se adueña de las canciones, introduciendote en una autopista hacia el ritmo.


Me encanta ese sonido de "Coming Change". ¿Recordais a la familia Monster?, coño, pues seria ideal para sonar en cualquiera de sus capítulos. Muy rockera, con el bajo predominante y ese órgano que es el gran protagonista de todo el e.p. Cierran con "You're gonna miss me" con hechuras de rock clásico, donde la voz de Rulo, me vuelve a traer algún eco de Morrison, al igual que en "El mero basilón" y esas guitarras que suenan muy, pero que muy bien, a pesar de estar un poco soterradas. Lastima que Las Pipas de la Paz no hayan metido mas temas, porque se echa en falta seguir disfrutando de sus canciones.

4 temas de rock, garage y surf, con un órgano que toma la voz cantante y una banda que suena conjuntada y sabiendo a la perfección lo que se traen entre manos. Ya os digo, no hay nada mejor antes de iros a la cama, que una buena sesión de Las Pipas de La Paz. Y ahora, mientras terminan de sonar, a buscar El Guateque en la estanteria y hacer sesión continua tras haber llenado de adrenalina mi jugo cerebral.


martes, 18 de junio de 2013

VODEVIL VARGAS NOMINADO A LOS HOLLYWOOD MUSIC IN MEDIA AWARDS POR SANTA CRUZ


Cuando en un proyecto hay dedicación, pasión y sobre todo talento, tiene que terminar siendo reconocido, si o si. A Vodevil Vargas, le está llegando de parte de medios, de fans y de gente que juntamos cuatro letras en un blog. Ahora le llega el turno desde los Hollywood Music In Media Awards, en California. Felicidades Ricardo. Os dejo la nota de prensa de Vodevil Vargas.

Vodevil Vargas nominado a los
Hollywood Music in Media Awards
 
Vodevil Vargas ha sido nominado a los Hollywood Music in Media Awards (HMMA) por su single 'Santa Cruz', en la categoría de mejor canción de Rock. Sin duda, ésta es la guinda para una canción que no ha parado de cosechar excelentes críticas desde su estreno.
La ceremonia de los HMMA tendrá lugar el próximo Jueves 21 de noviembre de 2013, en el famoso Fonda Theater de Hollywood, California, y será retransmitida desde Estados Unidos a más de diez países.
 
 
Los HMMA son uno de los galardones más prestigiosos del mundo en el ámbito de la música independiente, reconociendo y premiando el trabajo de compositores e intérpretes de todo el planeta.
Entre tanto, Vodevil Vargas continúa trabajando en la edición de su primer LP, del que se desveló un pequeño fragmento de audio hace unos días.

lunes, 17 de junio de 2013

BLUES & DECKER - TILL DAWN VIDEOCLIP


De verdad que da gusto conocer gente que se pierde en los mismos mares de sensaciones que desprende la buena música y que además tiene la generosidad de compartirlo con los demás. El amigo Juan Tome es uno de ellos, alguién a quien conocí hace ya años en un foro y de esas personas con las que conectas porque te das cuenta que es el mismo faro el que os guia a ambos, el del rock and roll. Hoy a través de facebook me dejaba este video de los Gijoneses Blues& Decker, blues rock potente con muy buenas guitarras, que me ha hecho poner la canción varias veces, así que no queria dejar pasar la oportunidad de que les pegaseis una escucha. "Till dawn", pertenece a su disco, "Stealin' the blues" y os dejo un poco de info que he sacado de su pagina web, y por supuesto el videoclip.

Tras dos años dedicados a engrasar la máquina en directo y componer temas propios, en la primavera del 2012 el cuarteto entró en los Estudios Magoo de Oviedo para grabar, con Juan Martinez como técnico de sonido, las nueve canciones que conforman su primer disco. Todas ellas tienen el blues como trasfondo, pero Blues & Decker enriquece cada una de las canciones con pequeños detalles, acordes diferentes, quiebros melódicos o estilísticos que dan como resultado rotundas composiciones propias que les acercan al rock psicodélico de los 70 (Till dawn) o al funk-metal (Tomorrow); también saben tocar suave, en baladas de blues-rock intimista y contenido (Blues is dead), o en piezas de mayor sofisticación y elegancia (Stealin’ the soul). Cuando deciden coger un camino más clásico (No Worries) o le arrean al blues eléctrico y de gran intensidad vía Chicago mezclado con gotas de swing (Posology) resultan igual de convincentes, y qué decir de las versiones que hacen de clásicos como Shame, shame, shame (Jimmy Reed) –enriquecida con la aportación a la armónica que hace David García, miembro de The Blind Lemons– y John The Revelator, el tema que Son House solía interpretar a capella. Todo ello acompañado de buenas letras que huyen de los tópicos asociados al blues, y apoyados en un sonido contundente, brillante y agresivo, reflejo del que suele ofrecer en los conciertos. Stealin’ the Blues, envuelto en un precioso diseño de Diego Pérez González, es una excelente carta de presentación para un grupo que tiene un largo camino por recorrer pero que puede estar muy orgulloso de lo hecho hasta ahora. 


domingo, 16 de junio de 2013

SURVIVOR - SURVIVOR 1979


Si de algo no se me puede acusar, es de cerrar la puerta a casi ningún tipo de música. Otra cosa es que tras una mínima escucha, ponga un pestillo si la veo acercarse alrededor. No es algo tan tremendo lo que me ocurre con el a.o.r., bueno la verdad es que no, pero si es cierto que me cuesta la misma vida terminar de escuchar un disco del estilo, hablando en general, claro está. Y mirad que he seguido directrices y recomendaciones guiadas por gente con conocimiento de causa, pero la verdad, al final echo en falta la mala leche propia del rock and roll hasta en los momentos mas melosos. Cosas de cada uno. Lo que si tengo claro, es que adoro a todas esas bandas clásicas del género. Boston, Foreigner, Toto, Journey.... con toda esa gente si que conecto, coño y de que manera. Será que la generación de bandas siguientes hasta la actualidad me parecen a veces excesivamente asepticas, cosas que no me pasan con estas que nombré.

De todos modos, siempre he tenido la impresión que el a.o.r. en si mismo, es un genero bastante desconocido e incluso confundido por otros tantos. Mas aun en los 80, donde se usaba a diestro y siniestro sin ton ni son. Ahora los lideres del cotarro son otros, pero yo sigo rescatando aquellos viejos discos, donde la clase y la elegancia se daban la mano con una cálidad suprema fusionada con unas melodias capaces de llevar el rock a oidos no tan preparados para desatar todos los infiernos. Y si antes he nombrado a Foreigner, Boston, Toto y Journey, mi poker de ases lo cierro con Survivor. ¿Quien no ama esta banda, después de haber escuchado sus canciones mientras Rocky soltaba mamporros?.


Canciones como "Eye of the tiger" y "Burning heart" son parte del colectivo musical general por derecho propio, pero Survivor van mucho mas allá de ahí, y es que a mi, sobre todo me gusta profundizar en los primeros tiempos de esta banda. Ojo, adoro a un tipo como Jami Jamison, cuyos lanzamientos en solitario además de su discografia con Survivor, claro está, pero pienso que los primeros discos del grupo tienen un algo especial, quizás una pizca mas de rockerio que me atrapa y me cala hasta los huesos. Y hoy, mientras Madrid y Barca se juegan la liga de basket, a mi como banda sonora me apetecia escuchar a estos tios, pero pillar mi Delorean particular y viajar hasta el 79.

En ese año salia el primer disco del grupo, titulado "Survivor" con esa portada de sabor tan "americano". Por aquellos dias, Dave Bickler – Voz y teclados, Dennis Johnson – bajo y sintetizadores, Frankie Sullivan – guitarras y voces, Gary Smith – bateria y percusión y Jim Peterik – guitarras, teclados y voces eran los que daban vida a las canciones del grupo. Su mezcla de buenas guitarras, de sabor setentero y esas melodias, vislumbraban a la gran banda que conseguiria el exito con discos posteriores.  Desde ese inicio con "Somewhere in America" que siempre me ha recordado mucho a sus coetaneos Boston, pasando por el rockero "Can't getcha offa my mind", donde me encanta la forma de cantar de Bickler.


En este primer disco están aun muy presentes las guitarras, como se demuestra en "Let it be now" muy hard rocker de los 70.  "As soon as love finds me" es otra prueba de la importancia que tenia el trabajo de Peterik y Sullivan como contrapunto al derroche melódico de la voz, lo que no implica, como se demuestra en este tema, que este falta de garra. "Youngblood" comienza con unas guitarras poderosas que van cediendo protagonismo a los teclados, entrando de lleno en terrenos mas a.o.r. con un fantástico estribillo.  "Love has got me" es mas hard rockero, y por tanto otro de mis favoritos, sobre todoe se estribillo lleno de fuerza.

Si volvemos al a.o.r. mas clásico, un tema como "Wholes town talking" deberia estar entre los favoritos de los amantes del genero y del resto, como no rendirse a ese estribillo. Otra muestra clara de la la elegancia de estos tipos es el tema "20/20" con ese fabuloso solo de guitarra y esa entrada vocal. Que grande suena "Freelance" con la bateria marcando el ritmo y que marca el camino de lo que mas tarde daria la fama a la banda, ese sonido tan propio. "Nothing can shake (from your love)" es la balada/medio tiempo del disco, sin excesos, te va atrapando con esa cadencia que tiene y que va ganando fuerza de una manera bestial hasta llegar a ese estribillo fabuloso. 

Cierran el disco con "Whatever it takes" poniendo punto final a este disco debut. En 2010 reeditaron los discos de Survivor, y a este le añadieron el que es curiosamente uno de mis temas favoritos de este disco es "Rebel girl" por esas guitarras y esos teclados. Peterik es un genio, y lo ha demostrado también con Pride of Lions, además de por supuesto, con la discografia de Survivor.



VIVID REMOSE - COMO SE GRABÓ DOWN TO THE WIRE


Siempre que entrevista a algún músico o banda, aprovecho para preguntarles por el proceso de composición y grabación de los discos. Es algo que siempre me ha llamado muchisimo la atención, como se le da forma y vida a ese disco que luego escuchas en casa, el tiempo que precisa para si misma una canción de forma que se transmita en sus cinco minutos de duración. Hace un tiempo reseñé el disco de Vivid Remorse, uno de los mejores lanzamientos de thrash metal del año pasado. Podeis recordarla pinchando aqui. Su bateria, Xabeer, me pasó unos videos que subieron a youtube, con partes de la grabación de "Down to the wire", y lo cierto es que merece mucho la pena, ver en pleno proceso creativo a estos músicos. Aqui os los dejo.





viernes, 14 de junio de 2013

"I CAN'T BELIEVE ITS TRUE" 18 AÑOS SIN RORY GALLAGHER


Que complicado y sencillo a la vez, es explicar esa magia que se desprende de una canción. Complicado, porque los sentimientos están alejados de razonamientos y de teorias elaboradas para mostrar la supuesta verdad. Facil, porque basta con pulsar el play, y dejarse envolver en esa comunión colectiva, enlazada de la mano de una serie de acordes tocados con el corazón. Con que facilidad se lleva el viento las letanias, con la misma que el olvido se instaura en el templo del tiempo para borrar las huellas de lo que un dia fue presente. Que afortunados son aquellos que han conseguido vencer a la muerte, porque resucitan no al tercer dia, sino cada vez que en algún rincon, alguien se santigua en esa vieja ceremonia religiosa del rock and roll, cuando se borra cualquier espectro que no se encuentre atrapado en el fondo de una canción. 

18 años hace que las manos de Rory Gallagher dejaron de tocar fisicamente las cuerdas de su Strato, que jamás ha dejado de sonar en esta mayoria de edad de su ausencia, entrelazado en los sueños, penas y alegrias de aquellos que dia tras dia, han seguido evocando su memoria en forma de canción.  Un 14 de junio se marchó Rory Gallagher, pero no fue para siempre, porque su espíritu se quedo grabado en los surcos de aquellos discos de mi habitación. Y hoy, como ayer o como mañana, seguimos preparados para su resurrección, porque su leyenda no esta escrita en los libros, esta adherida en el  alma de una vieja canción. "I can`t believe it`s true"








jueves, 13 de junio de 2013

HAVE YOU EVER SEEN THE RAIN


!Vaya calor está haciendo hoy! Parecia que no iba a entrar el verano, que iban a tener razón aquellos que comentaban que este año no nos acompañaria la estación mas calurosa del año, porque no neguemos que está la cosa rara, vamos, os aseguro que normalmente desde finales de abril ya ando por las calles en mangas cortas. Este año también, pero diciendo eso de,"el viento es largo" . De todos modos, yo soy un tipo mas de calor (excepto a la hora de dormir). El frio no me atrae demasiado, sentarse junto a la chimenea está muy bien a la hora de escribir, pero yo soy mas de tomarme una cerveza que me refresque del caluroso dia, cosas de cada uno. En fin, que sé, que los del norte del sur, si que sentís el azote del invierno y el mal tiempo, pero afortunadamente, por aqui, tampoco es que tengamos unos inviernos siberianos ni mucho menos.

Y en cuanto a lluvias, pues se pueden casi contar los dias en que el agua nos golpea, a pesar de que ultimamente, en ciertos lugares del sur, las lluvias vienen acompañadas de desgracias en forma de perdidas, por suerte solo materiales. Pero al menos llueve lo suficiente para que no tengamos cortes de agua, como hace ya años, en los que vivimos un verano con restricciones, y creedme que es una putada y gorda. En aquellos dias, echabamos de menos que el cielo nos regase, y nos preguntabamos, si habiamos visto llover. Have you ever seen the rain, como la canción que escribiese John Fogerty allá por el 70, para su banda, la que mas de uno considera la formación perfecta de rock, la Creedence Clearwater Revival, y que apareció en el disco "Pendulum".


Todos sabemos que la lluvia tiene una explicación cientifica, pero ver caer agua del cielo es como magia, y eso le sobra al tema de la CCR. Un tema a primera vista simple pero lleno de feeling, de esos que te atrapan desde que comienzan a sonar y ya sabes, que jamás podrás despegar de tu cancionero particular, yo al menos, nunca lo hice del mio, donde sobresale como una de esas canciones elegidas para poner música a muchos de los momentos que me han acompañado durante todo este tiempo que me ha tocado vivir. Radiada no se cuantas veces, reproducida muchas mas y versioneada con mayor o menor fortuna por mucha de la gente que pulula por este mundo del rock and roll, sin lugar a dudas, "Have you ever seen the rain", seguirá siendo toda la vida, de esas canciones, que cuando alguién te pregunta, ¿por que amás el rock and roll?, sabés sin pensarlo, que es la mejor respuesta. Os la dejo para que disfruteis, y también la versión que se marcó Rod Stewart, otro inscrito en mayusculas en mi libro de familia del rock and roll.



miércoles, 12 de junio de 2013

MY YELLOWSTONE- ESCUCHA EL SINGLE "DOG IN A CIRCUS"


My Yellowstone, es una banda que mezcla la música americana y el folk rock, teniendo siempre presente la música que se facturaba en los States en los 60 y 70. Formada por Dani Kussa y FJ Curra, de los fantáticos Marvin Green (aqui podeis leer la reseña de su disco "La soledad del sheriff Kane") en 2012, ya lanzaron un primer e.p. autoeditado, llamado "Some miracles". Ahora, enrolados en BMD Música Spain, tienen nuevo disco en la mochila, titulado "Here & now", que saldrá a la venta en septiembre. De momento, presentan en sociedad el single "Dog in a circus", con videoclip incluido, dirigido por Julio Castaño y rodado integramente en Andalucia. Y la verdad es que suena muy bien, con ese rollo intimista que suelen darle gente como Ryan Adams, a quien los propios My Yellowstone nombran como influencia. Tengo ganas de escuchar el disco completo de estos tios, FJ Curra es un guitarrista sobresaliente y Kussa tiene una de esas voces que no pasa desapercibida. Me dejo de rollos y os dejo con lo importante, con "Dog in a circus".





martes, 11 de junio de 2013

PAT TRAVERS Y THE DEL LORDS AL SERIE Z


El Serie Z sigue tomando forma. A las confirmaciones ya realizadas, entre las que personalmente destaca la de Uli Jon Roth, que vendrá haciendo un show con temas de Scorpions. Hace años vi en directo al alemán, abriendo para U.F.O. el su guitarra y un teclista, y os aseguro que la liaron parda. Si se presenta en formato de banda, puede ser algo para recordar siempre. En estos dias, se confirmaba, primero a otros clásicos, The Del Lords, cuyo último disco, "Elvis club" demuestra que estos tipos siguen en forma después de 30 años de rock and roll. Sin lugar a dudas, es una de esas bandas, de las que, aun sin ser un die hard fan, si que me produce mucha satisfación el hecho de saber, que los voy a disfrutar en directo.

Aunque casi ansiedad, es lo que tengo al enterarme de que Pat Travers estará sobre las tablas de la Sala Paul en noviembre. El guitarrista canadiense, al que descubrí en el 90 con aquel "School of hard knocks", un disco que no gusta demasiado a muchos de sus fans, pero que a mi me introdujo en su discografia. Pat pertenece a esa estirpe de guitarristas, que muchas veces, injustamente, se quedan fuera de las listas. Gente como Ted Nugent, Leslie West, Alvin Lee, Rick Derringer o Ronnie Montrose. Pat, poseedor de una discografia envidiable, plena de ese hard setentero, heredero directo del blues rock, ha compartido acordes con gente como Pat Thrall, Nicko McBrain, Carmine Appice o Tommy Aldridge entre otros. Sin lugar a dudas, su paso por el Serie Z, como pasó el año pasado con Meniketti y sus Y&T, es algo que no me pienso perder.




lunes, 10 de junio de 2013

GRANFAN - MR. MONEY -VIDEOCLIP-


Granfan siguen sacandole partido a ese pedazo de disco que es "Granfan I" y del que ya hablé aqui hace tiempo (pinchad aqui). Ahora presentan el segundo videoclip del disco, perteneciente a ese rock and roll llamado "Mr. Money", que dicho sea de paso, les ha quedado a la altura de la canción, que no es poco. No me enrrollo mas, os dejo el videoclip para que disfruteis. Y ya sabeis, si os gusta y quereis el disco, os podeis poner en contacto con la banda en su página de facebook


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